Художник Левитан работал над своими картинами как над музыкальными пьесами. Его картину «Вечерний звон» сравнивали с одноимённой русской народной песней. «Золотая осень», «Свежий ветер. Волга», «Весна. Большая вода» – картины Левитана из серии мажор.
Константин Бальмонт, теоретик и опытный последователь синестезии отмечает, что слово – самое большое чудо – «чудо чудес». Также он отмечает, что все буквы в отдельности полны глубокого смысла и дороги нашему чувству.
У Бальмонта есть такие строки:
Господь, Господь, внемли, я плачу, я тоскую
Тебе молюсь в вечерней мгле Зачем ты даровал мне душу неземную И приковал меня к земле?
Эти строки можно было бы посвятить многим гениям. Но есть и такие из них… как, к примеру, высказался Якоб Бёме: «Если бы наши философы и ученые играли всегда не на скрипке гордости, а на скрипке пророков и апостолов, другое было бы, пожалуй, в мире познание и другая философия».
В статье «Нереальное в реальном» Анна Маркова отмечает, что в стихотворении Бальмонта «Песня без слов» есть и ритм, и музыка: «Это игра со звуком. Очень тесные творческие связи были у А.Блока и А.Скрябина. Проявление крайней человеческой свободы, безграничные возможности человека воплощены в поэме А.Блока «Заклятие огнем и мраком, и пляской метелей». Здесь вспоминаются темы и символы Скрябина, например, тема огня, воли. Повышенное внимание к звуковой форме стиха, необыкновенная музыкальность стихов поэтов-символистов К.Бальмонта и В.Иванова, А.Блока и В.Брюсова дали русской поэзии целый ряд замечательных стихотворений. И по сей день, к творчеству поэтов-символистов обращаются многие композиторы. Слова стихов как бы звучат самостоятельно, словно поют, они наполнены разными звуковыми эффектами и красками». Представляю вам стихи Александра Блока:
Мой вечер близок и безволен.
Чуть вечереют небеса,
Несутся звуки с колоколен, Крылатых слышу голоса.
Ты-ласковым и тонким жалом
Мои пытаешь глубины,
Слежу прозрением усталым
За вестью чуждой мне весны. Меж нас случайное волненье.
Случайно сладостный обман
Меня обрек на поклоненье, Тебя призвал из белых стран.
И в бесконечном отдаленьи
Замрут печально голоса, Когда окутанные тенью Мои погаснут небеса.
Немного отойдя от темы, замечу, что скорее всего у Эйнштейна было широкое представление о музыке цветов. Однако, он больше ценил влияние музыки на его научные изобретения. Хотя он и не видел гармонии цветов, отраженных в музыке, он ощущал его влияние. В книге «Тайны гениев» видный музыковед Михаил Казиник пишет: «Музыка согласуется с литературой, историей, психологией, географией. Для полного восприятия теории относительности Альберта Эйнштейна, нужно говорить еще и о музыке…он прекрасно играл на скрипке и думал, что в понимании мира и музыка, и физика одинаково важны. «Если бы не было фуг Баха, то я никогда не создал бы теорию относительности», – писал Эйнштейн.
Будь то музыкальное, либо художественное произведение живые мысли, признания его автора, не потеряют своего влияния даже сквозь века. Любое произведение искусства – это осколок души его автора, продолжающий свою жизнь в своём творении. «Мыслить – значит говорить на «языке» времени, формируя общую сторону движения Истины. Все что окружает Бесконечность – это мысль. Мысль – это Будущее, в котором планируется «Все»».
«Ученые пишут, что в силу атропоморфной человеческой реальности каждый объект реальности может обладать «своим голосом, своим строго определенным диапазоном звука. Имитация естественного природного звука человеческом голосом или инструментом, – это в рамках мифологического мышления определенный контакт взаимодействие с конкретным обьектом природы, его управление и подчинение».
Эдвард Мунк, используя кроваво-красные и темно-коричневые цвета, показал последнюю стадию отчаяния человека в картине «Крик». Однако главный герой картины, скорее похож на некое уродливое существо, чем на человека. Хотя возможно, таким образом, Мунк хотел показать, что, испытывая сильные эмоциональные потрясения, человек теряет свое истинное лицо. В книге «О духовном в искусстве», Василий Кандинский написал о красных и коричневых цветах: «Коричневый цвет, в котором красный цвет звучит, как еле слышное кипение», то есть крик, кипящий в глубине. Другая картина Мунка «Смерть матери» известна своей отрицательной энергией. На картине с волнением в глазах, посреди комнаты, спиной к кровати с мертвой матерью стоит пятилетняя девочка, закрыв руками уши. Девочка словно хочет заглушить, исходящий изнутри крик. И в этой картине более всего привлекают внимание красные и коричневые тона. Картина Сина Робертсона «Человек в душевных муках» напоминает уродливое существо из мунковского «Крика». Оно также кричит и корчится в муках. И здесь также использованы коричневые и красные тона. Более того, художник добавил в краски собственную кровь. Далее на картине Франца Бюхлера «Без названия» привлекают внимание существо из смеси собаки и оленя, огромные бабочки, красные и коричневые цвета.
Как бы странно это не выглядело, известный режиссер и музыкант Вуди Аллен, говорил, что со временем все больше напоминает существо из мунковского «Крика». Ироническое изображение сложных процессов, происходящих в обществе, одиночество талантливых людей в большинстве сюрреалистических фильмов Вуди Аллена напоминают безмолвный крик в красно-коричневых тонах. Хотя в его фильмах можно услышать диалог желтых, голубых, розовых цветов. Его интеллектуальный, тонкий юмор оставил в кинематографии глубокий след. Вспомним мысли Бертольда Брехта: «Все виды искусств, служат величайшему из искусств – искусству жить на земле».
Говорят, что мелодика речи – психологический камертон народа. В своих заметках Гитлер признается, что «итальянский язык – язык музыкантов, однако в нашем языке (немецкий язык) мало гласных». Значит, большее число гласных делает язык мелодичным и нежным. Наряду с этим, меньшее количество гласных в немецком алфавите, не помешало рождению великих и гениальных композиторов, поэтов, писателей. Ноты стоят выше гласных и их возможности намного шире. Одни и те же гласные в слове подчиняются разным созвучиям мелодии. Александр Блок писал: «Вначале была музыка. Музыка – смысл мира. Возвышение мира – это культура. А культура – это ритмы музыки». Разумеется, ветер, оживляющий деревья, моря, заставляющий их раскачиваться и бурлить, создает симфонию настоящей жизни. Что может лучше питать душу, чем музыка самой природы? Шопен сказал: «Музыка не имеет отечества, отечество ее вся Вселенная». Статья музыковеда Юлии Опариной «Музыка слова и слово в музыке: Поэзия А.Блока в произведениях отечественных композиторов» состоит из анализа и оценки творчества поэта со стороны творческих личностей. В статье говорится о том, что поэзия Блока обладает внутренней музыкой: «По словам К.И.Чуковского, он всегда не только ушами, но и всей кожей, всем существом ощущал окружающую его «музыку мира»»… По выражению А.Ахматовой, «Блок – трагический тенор эпохи». Чуковский говорил: «Все проявления этой эпохи имели для него один музыкальный смысл, создавали единый музыкальный напор. Вслушиваться в эту музыку эпох он умел, как никто…» Филологи большей частью занимаются изучением «музыки» как эстетической концепции творчества Блока. Впервые у Свиридова Блок предстал в столь полном, многогранном и одновременно лаконичном облике. «Ночные облака» – это поистине блоковская «симфония»».
Однако нужно отметить, что слова определяют музыку. Без слов цель и намерения музыки будут не поняты. Возможно ли сочинить музыку к опере без либретто? Разумеется, ноты – это словно вибрации и сердцебиение семи планет, но как без слов можно об этом рассказать и заставить человека задуматься об этом?
Художник Казимир Малевич же выразил иные мысли: «Сначала не было букв, был только звук. По звуку определяли ту или иную вещь. После звук разъединили на отдельные звуки и деления изобразили знаками. После чего смогли выражать для других свои мысли и описания».
В этом эссе мы более всего уделили внимание творчеству европейских и русских композиторов. Коснулись тем о цвете музыки, упомянули о чудотворном влиянии музыки на сознание и сердце человека. Наконец, я хочу кратко познакомить читателя с духовным богатством нашей восточной культуры – миром мугама. Потому что, мугам – это философия, культура мышления азербайджанского народа. Мугам – это обитель влюбленных ищущих утешение. Веками наш народ питался богатым и мудрым наследием мугама. А каков цвет этой музыки и этого исполнения? Думаю, будет кстати представить вам небольшую часть научной статьи кандидата физико-математических наук, ведущего ученого Института Систем Управления НАНА Шамиля Гаджиева. Статья была напечатана в 2013 г. в журнал «Ирс» («Наследие»). В своих многолетних исследованиях с помощью цветов ученый смог даже установить, к какому народу относится музыка: «На основе связи музыкальных нот и цветов нами получены и исследованы общие цветовые изображения азербайджанских народных песень и мугамов. При исследовании были использованы некоторые свойства энтропии.
В процессе исследования проанализированы нотные записи около 300 народных песен. При этом вычислены четыре основных цвета и получены общие цветовые изображения азербайджанских народных песен. Вначале выделены шесть популярных мелодий: «Вагзалы», «Сары бюльбюль» (Желтый соловей), «Сары гялин» («Желтая невеста» или «Невеста в желтом»), «Сары гыз» («Желтая девушка»), «Мулейли», «Нейлерсен?» («Что ты сделаешь?») и построены их цветные изображения. Для сопоставления исследованы также русские («Ладушки», «Калинка»), грузинские («Сулико», «Атеш боджейи») и армянские («Чему чем», «Ярым Ануш») народные песни и получены также их цветные изображения. При внимательном изучении этих рисунков выясняется, что «Сары гялин» – чисто азербайджанская народная песня… Для получения и исследования цветных изображений инструментальных мугамов в основном использованы нотные записи. «Бардашт», «Майе» и некоторые основные части мугамов. Также использована нотная запись мугама «Нава» Айдына К.Азимова…
В прошлом исследователи присваивали каждому мугаму свой цвет, отмечая влияние мугамов на самочувствие и настроение человека. В частности, Миллер отмечает, что мугам «Сегях» – темно-синего, «Шур» – ярко-красного, «Баяты-Шираз» – светло-зеленного цвета. Согласно современным данным, основные цвета азербайджанских инструментальных мугамов следующие: «Раст» – фиолетовый, красный, светло-зеленный, «Шур» – оранжевый, красный, синий, «Сегях» – голубой, синий, фиолетовый, «Чахаргях» – оранжевый, красный, желтый, «Баяты-Шираз» – фиолетовый, красный, светло-зеленный, «Шуштер» – оранжевый, фиолетово-красный, светло-зеленый, «Хумаюн» – желтый, оранжевый, синий… Таким образом, азербайджанские мугамы никак нельзя передать одним цветом…»
Продолжим мысли о мугаме. Обратимся к статье от 2006
г. из второго номера журнала «Ирс» кандидата философских наук, профессора Гюльназ Абдуллазаде «Философская сущность азербайджанского мугама»: «Музыка – дверь истины, а мугам – её убежище и храм, что же заложено в этой музыке?.. Философия мугама сформировалась в русле восточных философских концепций суфизма, хуруфизма, идей тайного общества «Братьев чистоты» («Ихван-ас-Сафа»), а также тарикатов (мистических «путей») дервишских орденов «Мевлеви», «Накшбанди», которые в разное время возникали на основе средневекового ислама… Мугам является сферой духовного перевоплощения человеческого бытия, образующего гармонию человека со всей Вселенной с природой – видимым и невидимым миром. Мугамы – ступени познания в себе абсолютного начала… Сокровища мугама есть одновременно тайна Востока. Ключ к пониманию мугама – постижение мировоззрения Востока».
«Значение слова «мугам» трактуется как посланная Богом музыка. Также высказывается суждение, что музыка волею Всевышнего очищает, проясняет дух человека. Не случайно, что ученые древности лечили людей под звуки мугама. Мугамы связывают с планетами, при этом каждому из них соответствует небесное тело: мугам «Нава» связывают с Луной, «Буселик» – с Меркурием, «Раст» – с Венерой, «Араг» – с солнцем, «Ушшаг» – с Марсом, «Зирефкенд» – с Юпитером, Рахави» – с Сатурном… Формирование мугама как жанра относится к «Мусульманскому Ренессансу» XII-XIII вв. В этот период расцвет поэзии (Низами, Хагани, позже Насими, Физули) повлек за собой и развитие мугама» (Энциклопедия мугама).
Я верю, что читателю будут интересны научные изыскания о балетной музыке, сочиненной Кара Караевым к поэме «Семь красавиц» Низами Гянджеви.
В четвертой по счету поэме «Семь красавиц» Низами Гянджеви пишет:
Семь дворцов Бахрам увидел, словно семь планет В соответствии планетам у дворцов был цвет.
И во всем Ишда премудрый дал обличья им В соответствии великим поясам земным.
Кандидат физико-математических наук, талантливый ученый Шамиль Гаджиев автор статьи «Цветные изображения музыкальных портретов семи красавиц из балета Кара Караева «Семь красавиц»» пишет: «Используя музыкальные элементы соответствующей страны в танцевальной музыке каждой красавицы, композитор Кара Караев в балете «Семь красавиц» создал превосходное и разноцветное произведение… Нотные записи музыки семи портретов и «Вальса» определенным образом введены в память компьютера, вычислены и построены их цветовые изображения. Получены также цветные изображения четырех доминирующих цветов этих изображений. На рисунках дали цветные изображения танцев красавиц: «Индия и Византия», «Хорезм и Славян», «Магриб и Китай». Цветовое изображение «Вальса» дает ощущение прекрасного чувства цветовой гармонии, цветовая гамма как будто меняется с черного на белое. В музыке «Вальса» много элементов мугама, в частности, лада «Чахаргях»…
Отметим, что Низами в поэме пользовался только описанием Вавилонских астрологов. В поэме каждой красавице из разных стран соответствует определенный цвет одежды и дворца, день недели и планета» (Журнал «Елм вя хаят» («Наука и жизнь») № 3, 2016).
Признаюсь, что я очень люблю мугам. Слушая мугам, мир становится поэтичнее, а любовь преобразуется в чистый родник. Боль утраты и разлуки растворяется в магии мугама. Я хочу представить вам одно из своих стихов в прозе рожденных под воздействием мугама – «Выставка на одну персону». Хоть я и не синестет, но мое творческое воображение унесло меня к небесам и там незабываемые дни моей жизни говорили со мной на языке цветов. Каждая картина будит во мне воспоминания своего цвета: «Мои грезы художника ищут и находят выставку судьбы. Той выставке названье «Без тебя». Как сами небеса, картины жизни висят в воздухе. С белого цвета начинается выставка на одну персону. Белое свадебное платье мое. Белые дни жизни моей, белый парус грез моих, белые волосы матери моей. Белые пики гор Карабаха. Белый флаг врага…
Зеленый цвет – тропа, ведущая к счастью. Самые лучшие дни жизни моей. Весна молодости… Я не могу оторвать глаз от картины розового цвета. Из розовых облаков, с букетом маминых сказок в руках, возвращаюсь из мира «путешествий». Как же здесь прекрасно. Я вспоминаю розовые щечки моих девочек, их ситцевые платьица. Судьба моя меняется и цвета вместе с ней. Красные, желтые как языки пламени цвета. О чем они говорят? Если прочитать справа налево: «Нет Аллаха, кроме Аллаха…». Черный цвет – железная дверь без ключа, за которой осталось счастье.
Боль от вечной разлуки…»
Говоря о цветах слов нельзя не упомянуть азербайджанского поэта Расула Рзу. С помощью сравнений он смог передать читателю настроение, силу, влияние, оттенки более чем 30 цветов в философском аспекте. Например, цикл под названием «Краски» своеобразная дань импрессионизму, выраженному средствами стиха… поэт стремится найти в самой жизни объяснение смысла всей палитре существующих цветов, дает свою необычную, нетрадиционную интерпретацию понятиям из смежной области живописи, отражающей в себе все краски, существующие в действительности. Краски как бы оживают, воплощаясь в символ».
Так, черная краска Подлый враг.
Подсознательный страх.
Ползающие не по болезни,
А по боязни.
Рассвет в день казни.
Ложь.
Нечистые мысли…
Все цвета в стихотворениях Расула Рзы, словно создают оттенки, географию новой человеческой расы. Даже в самых маленьких деталях хорошие и плохие качества, присущие человеку говорят о своем цвете. В цикле стихотворений «Цветные сны» живут людские мечты, истории, уходящие в небытие. Я всегда с большой любовью и интересом относилась к творчеству Расула Рзы, и в особенности к его стихотворениям о цветах. Я даже написала две статьи об этом. Размышления о цветах, чувствах, людях и обо всем человечестве не теряют актуальности, смысла и цвета даже «в бесцветности времени», как сказал поэт. Самое главное, что мы верим в искренность поэта. Голая истина – истина настоящая, без покрывала, как камни, скалы, море, небо… Голая истина вечна… мы просто те, кто проходит по дороге вечности и уходит… конец голая истина.
В словах Гюстава Лебона тоже есть истина: «Проникать же в мысль рас, над которыми тяготеет пыль веков – труд, который никогда не удастся выполнить ни одному ученому». Однако, умение заглядывать в прошлое, защищает его от забвения, дает толчок продолжению отношений между веками и народами.
И вправду, очень сложно сегодня говорить с самой историей на языке прошлого. История звука, слова, цвета – самая древняя. Мы можем надеть старые наряды, но можем ли мы думать по-старому?! Время говорит на своем языке, своим голосом, своим цветом. Кто-то вспоминает время по слову, кто-то по цвету, кто-то по голосу. Но каждый вспоминает только свое время.
То, что заставляет нас верить в жизнь, в любовь, утешает, заставляет жить, плакать, молчать – все это тоже время. Время – это мера жизни, отведенное людям, длина дорог, вес счастья и грусти. Первый и последний вздох. «Бремя этого мира принадлежит тем, кто его понимает; красота – тем, кто его любит» (Абу Турхан)
Мысли безбрежны. Чем дальше мы идем по пути невидимого прошлого, тем дальше мы отдаляемся от самих себя… подходим к берегу своих размышлений. Морские волны на своем языке поют нам свои песни, дремлющие в морских глубинах. Эти голоса освежают нашу душу зелеными брызгами. Разве есть голос слаще, приятней? Этот незабываемый голос природы – молитва Творцу.
На самом деле жизнь – это цветовая симфония. Кому-то по душе классическая музыка, кому-то мугамы. У каждого из них своя философия. Мы с вами являемся голосом природы, нашей Родины, собственно говоря своей души. Я надеюсь, что мои мысли о западной и восточной культуре будут жить в вашем слове, голосе и вы будете с теплотой вспоминать их по цвету вашего настроения.
«НОВАЯ СИММЕТРИЯ В ИСКУССТВЕ»
Художник может быть творцом тогда, когда формы его картин имеют ничего общего с натурой.
Казимир Малевич
Говорят, что искусство тогда лишь ценно, когда оно говорит с нами. Не важно на каком оно говорит языке, лишь бы намерение его было положительным. Создававшиеся на протяжении веков произведения искусства разных жанров, рождались на основе требований своего времени, завоевывая своих почитателей. Эта статья посвящается художнику чье творчество с самых первых дней является причиной споров.
Что хотел сообщить зрителям в начале ХХ века новатор изобразительного искусства – Казимир Малевич, своими разноцветными квадратами? Сакрализировав тему картины «Черный квадрат», он утверждал, что она была создана под воздействием космической силы. А.Шатских так объясняет его: «Во время работы очередным абстрактным полотном в художественной вселенной Малевича произошло «полное затмение» и в прямом, и в переносным смысле слова. Повинуясь наитию, художник перекрыл – затмил – черной прямоугольной плоскостью цветную композицию (ее красные, желтые, синие элементы просвечивают ныне сквозь кракелюры). Новорожденную картину Малевич назвал «Четырехугольник» в истории она вошла под названием «Черный квадрат».
Говорят, по окончании работы художник в течении недели ничего не ел и не пил, ощущая себя в другом измерении. В результате он положил начало течению «супрематизма» в искусстве. «Супрематизм» – это такой французский неологизм, «супрем» – превосходный суперсовершенный, а «матер» – это материя, то есть супрематизм – буквально – это суперматериальность». Казимир Малевич говорит о своих картинах, что удивительно, чем покойнее вид плоскости на холсте, тем сильнее пропускается ток динамики самого движения.
Немало тех, кто называет «Черный квадрат» «иконой времени». Каждый создает произведения в соответствии с жанром, подтверждающим его своеобразный талант. На самом деле в творчестве Малевича бинарная оппозиция не прослеживается. Потому как в любом произведении может присутствовать бинарная оппозиция. В своей статье «Антиискусство» Андрей Яхнин отмечает, что Малевичу присущи все признаки Мефистофеля. Любопытный факт – «Мефистофель с греческого переводится как «Не любящий свет». В его творчестве, политических взглядах немало противоречий. В своих радикальных выступлениях К.Малевич отмечал: «Храм нужен не для педагогики, а для новых идей. Иисус и Мухаммед педагоги. Храм – обитель жизненно необходимых знаков. Я отправляюсь в храм созидать, а не учить». Храм, о котором он думал был именно таким. Т.е. храм «Супрематизма». В его понимании супрематизм – это не повторение за другими, а прокладывание новой тропы на пути к тайнам. Его девиз гласит: «Да здравствует единая система мировой архитектуры Земли».
В 1923 году Малевич в резкой форме высказался в своем манифесте: «…в «Супрематическом зеркале» все явления мира сведены к огромному Нулю – или Нуль содержит все явления мира».
Константин Ефетов осознав основные причины создания картины «Черный квадрат» Малевича так описал это в своем стихотворении:
Конечно, копию шедевра Создать Малевич был бы рад. Но повторить не смог Он свой же квадрат.
Немного отойдем от темы. Обратимся к истории, начиная с ХХ века в искусстве зарождались новые течения. Основатель течения футуризма во Франции, автор поэмы «Красный сахар» итальянец по происхождению Филиппо Маринетти сумел заработать себе последователей странными идеями и творчеством. В 1909 году в газете «Ля-Фигаро» в Париже он выдвигает свои новые идеи. Манифест футуристов гласит: «До сих пор литература восхваляла задумчивую неподвижность, экстаз и сон. Мы намерены воспеть агрессивное действие, восхвалять войну – единственную гигиену мира. Мы разрушим музеи, библиотеки. Наше сердце не знает усталости, потому что питалось огнем и ненавистью». В 1912 году организовывается первая выставка художников- футуристов. Они говорят, что «готовы «уничтожить лунный свет» в своей будущей деятельности. Эхо этих радикальных призывов отдавалось на организованных в Париже, России мероприятиях… «В манифестах, написанных Маринетти или при его участии и охватывающих не только все виды искусства, но и быт, воспеты сила и скорость, воплощенные в прямом агрессивном действии в утопических проектах пересоздания человеческой природы ради сотворения механического человека». Он говорил: «Война как единственная гигиена мира». Начиная с ХХ века новые политические призывы, прочно занявшие в мире место в этом направлении, стали причиной начала кровавых революций и войн, оторвав людей от их простой жизни. Они предпочитали разрушительные, губительные лозунги против стабильности, мирной жизни и созидания. Новые симметрии, агрессивные темы нашли место в искусстве в особенности после Первой мировой войны.
Подобные тенденции подхватили некоторые представители интеллигенции России. В 1912 году в Москве Казимир Малевич участвует с 20 картинами в выставке футуристов «Ослиный хвост», где знакомится с композитором Матюшиным.
Накануне Первой мировой войны в России в 1913 году вместе со своими друзьями-футуристами Малевич ставит оперу «Победа над солнцем». Декорации для сцены, также эскизы костюмов он рисует в черно-белых тонах. Автор музыки М.Матюшин, автор текста А.Кручинин, пролог В.Хлебникова. В том же году в газете «Вечерние новости» свет увидела статья под названием «Как футуристы обманывают толпы?»
Любопытно, что среди тех, кто отказались от старых художественных ценностей, агитировал свободное искусство был В.В.Маяковский. Создав группу из кубофутуристов, он написал манифест под над названием «Пощечина общественному вкусу».
В 1915 году в поэме «Облако» он пишет: «Я над всем что сделано ставлю «nihil» (ничто)». Из манифеста следует, что произведения Толстого, Достоевского и Пушкина нужно сдать в архив времени. (Да и в нашем обществе можно встретить немало сторонников подобных манифестов.)
Малевич сказал о Маяковском: «Все художники и писатели умеют поднять шумиху. Маяковский больше всех отличался от них. Он пришел в поэзию футуризма с молотом, железом и сталью». Одним словом, футуристы пытались доказать возможность создания колбасы из бабочки. Читая книгу художника Юрия Анненкова «Дневник моих встреч», ближе знакомишься с жизнью интеллигентов, футуристов живших и творивших в начале ХХ века. В особенности очень трогательно его воспоминание о Маяковском: «Когда у Анненкова спросили, когда он вернется в Москву, он ответил, что никогда не вернусь в Россию, я художник. Маяковский же горько всхлипывает: я же возвращаюсь, потому что я не поэт. Его должность чиновника отдалила его от поэтической природы Маяковского. Автор стихотворения «Облако в тумане» Маяковский как поэт в жизни был свободнее, отважнее: «Эгей! Небо! Преклоните колени! Я иду!», – мог сказать он.
Он никоим образом не мог смириться с кризисом, застоем в своем творчестве… Его неоконченная пьеса «Комедия со смертью» с самоубийством поэта восторжествовала на подмостках жизни. Поставив на свою судьбу печать «нигилизма» Маяковский пал жертвой эмоций, с которыми не сумел совладеть.
Не знаю почему, но мысли мои унесли меня далеко. На протяжении веков отношение творческих людей к земле, на которой они родились и их деятельность играла большую роль в будущем того государства. Хотя статья и посвящена художнику Малевичу, все же я сделаю небольшую сноску. Николай Карамзин, написавший 12-томную Историю государства Российского, ради претворения в жизнь этой исторической миссии поставил крест на своем творчестве и отказался от высоких должностей (родился в 1766 г. – умер в 1826 г.). Несмотря на то, что он прожил не долгую жизнь, он оставил глубокий след в российской истории, литературе. Великолепно отпечатанные в 12 томах иллюстрации и рисунки, отражающие историю России, придают историческим событиям новый колорит. Николай Карамзин даже добавил в русский алфавит букву «Ё». Привнес в русский язык неиспользованные ранее слова, такие как: «трогательный», «занимательный», «впечатлений», «катастрофа», «будущность» и др. Разумеется, упоминание мною именно Карамзина несет в себе определенную цель. Я считаю, что именно те, кто так патриотичны и сумели сохранить чистоту перед своей совестью, веками служат духовным сокровищем, неугасимым солнцем своей страны. В его свете и история, и литература, и память крови бессмертны. Благодаря иллюстрациям в 12-томнике можно изучить историю словно наглядно. Как убого и жалко смотрятся новые пагубные веяния, агрессивно направленные манифесты в сравнении с титаническим трудом, величием Н.Карамзина. Эта гениальная личность посвятила свою жизнь, способности во имя истории своего государства. Возможна ли более почетная работа?! Полагаю, несложно понять, о чем я говорю… Вернемся к начальной теме.
Начиная с 1914 года футуристов за их позиции в обществе называли «вольтеристами», «нигилистами», «фармазонами». К примеру, в петлице своего пиджака Малевич носил деревянную ложку. Если вы помните картину Питера Брейгеля Старшего «Крестьянская свадьба», у разносящих во время празднества еду молодых людей в шляпе есть деревянная ложка. Это указывает на то, что они очень бедны. У таких людей не бывает ни дома, ни семьи.
Малевич хорошо разбирался в иконописи. Возможно найдутся и те, кто путем апофатизма оправдают отображение художником этой священной темы в жанре супрематизма цветами его бело-красных квадратов. На иконе Георгия Победоносца в белом квадрате была отражена белая грудь его коня, а в красном квадрате – его багряное одеяние. По мнению экспертов, подобными супрематическими экспериментами художник с маниакальной ненавистью пытался уничтожить антропоморфные принципы света.
Большевики давали художнику политические заказы. Как прославившийся после Октябрьской революции деятель искусства, Казимир Малевич выдвигал новые предложения: «Все христианские храмы должны носить коммунистические названия». Не случайно, что мавзолей Ленина превратился в храм атеистов. Заглянем в историю: «В 20-ые годы ХХ века в России стали появляться университеты в атеистическом духе против религии. Поле пропаганды не ограничивалась только городами, в результате вовлечения населения деревень с середины 1931 года более 300 деревень официально получили название «Безбожная деревня»».
К.Малевич был одним из передовиков этого движения.
Работающих в области культуры людей он призывал следовать его идеям, как говорится, обещал им будто бы новые земли и небеса, которые знает он: «Да здравствует новая симметрия социальных путей! Да здравствует новая симметрия! Да здравствует новая система жизни!» Некоторое время большевики пользовались услугами художника, за тайное содействие государству ему давали высокие должности… Он участвовал со своими работами на зарубежных выставках. В последний раз по возвращении домой его арестовали по причине того, что он провел в Германии время больше дозволенного. Будто бы он работал как тайный агент на Германию.
Вообще темы театральных постановок начала прошлого столетия были отвратны, слабонервные, вернее сказать простые зрители не смогли бы смотреть направленные против человечества представления футуристов. У постановок «Время мести», «На могильной плите», «Смерть в объятьях», «Последний крик» и др. были свои любители. В то время даже были созданы клубы «Лиги самоубийц». Испанский кинорежиссер сюрреалист Луис Бунюэль служил этим целям. Его «Андалузский пёс», снятый совместно с Сальвадором Дали был призывом к насилию. Беременные женщины потеряли своих детей в кинозале во время просмотра фильма, пропагандирующего жестокость в самой уродливой форме. Этот фильм стал причиной большого скандала. Во время встречи с представителями прессы режиссер заявил, что фильм «Андалузский пёс» – это массовый призыв людей к убийству.